Plébiscitée pour son esprit audacieux et sa sonorité singulière, La Symphonie de Poche nous offre un programme festif et plein de swing avec la mise en regard de deux immenses compositeurs américains : George Gershwin et Cole Porter, créateurs du jazz symphonique. Créé à New York le 13 décembre 1932, Un Américain à Paris met en scène les péripéties d’un touriste Américain flânant dans Paris ; parée d’une gaieté contagieuse, cette partition au charme unique a fait le tour du monde avec ses mélodies envoûtantes et son orchestre rutilant. Tout aussi séduisante, la suite symphonique tirée de la comédie musicale Can-Can, inspirée à Cole Porter par ses années parisiennes et créée à Broadway en 1953, nous plonge dans l’atmosphère des cabarets de la Belle Époque et notamment du sulfureux Montmartre...

Que sait-on de la musique des cultures et civilisations amérindiennes préhispaniques ? Quelle était la musique pratiquée par les espagnols à l’époque de la découverte du Nouveau Monde ? Telles sont les questions qui soustendent le propos du concert conçu par Pierre Hamon dans un mariage des sons et des rythmes des continents américain et européen. Rythmes endiablés, mélodies immémoriales... : un fascinant voyage aux sources musicales du film d’animation Pachamama nommé aux Césars 2019 et dont Pierre Hamon a composé la musique.

S’attachant à faire découvrir les répertoires inédits et méconnus du Moyen-Âge jusqu’aux premières polyphonies de la Renaissance, l’ensemble Obsidienne se plaît à évoquer l’univers musical de Christophe Colomb, qu’il imagine embarquer pour son grand voyage accompagné des mélodies festives, rythmées et dansantes du “Cancionero del Palacio” : constitué à partir de la fin du XVe siècle, jusqu’au début du XVIe , ce fameux manuscrit espagnol rassemble des compositions dans lesquelles s’expriment aussi bien l’élégance et le raffinement de la musique courtoise que la spontanéité de la chanson populaire des premières années de la Renaissance.

Célia Oneto Bensaid est une fine connaisseuse de l’univers du compositeur américain Philip Glass, figure légendaire du minimalisme dont la musique est l’une des plus écoutées dans le monde. À travers un florilège de pièces choisies, de ses musiques de film (The Truman Show, The Hours) à sa musique de scène (Akhnaten) en passant par ses Études pour piano, elle dresse un portrait très évocateur de cet artiste aux multiples facettes, ouvert, curieux et qui a révolutionné le monde de la musique contemporaine.

Un programme exotique et plein de fraîcheur autour d’un répertoire méconnu : celui des pays scandinaves - Norvège et Suède -, constitué de danses et de chansons composées au XVIIIe siècle et utilisant des instruments typiques tels que la nyckelharpa suédoise ou le hardingfele norvégien, très présent notamment dans l’œuvre de Grieg.

Un passionnant voyage de l’Italie vers la France autour de la figure du violoncelliste français Jean Barrière, qui a étudié en Italie et a beaucoup fait pour l’émancipation du violoncelle en tant qu’instrument soliste au cours du XVIIIe siècle.

Maîtres de la viole de gambe sous Louis XIV, Marin Marais et Antoine Forqueray étaient respectivement surnommés “l'Ange” et “le Diable”. Marais incarnait la douceur et l'élégance céleste avec son style fluide et expressif, tandis que Forqueray impressionnait par sa virtuosité démoniaque et ses traits fulgurants. Là où Marais caressait l'âme, Forqueray enflammait les passions... L’Ensemble Masques emmené par Olivier Fortin dévoile à travers ce programme original deux faces contrastées mais complémentaires de la musique baroque française.

Spécialement conçu pour la maison natale de Christian Dior, ce programme se veut une évocation musicale de l’acte créateur, de l’enfance nourrie par la nature normande aux premières ébauches et à la précision du geste, jusqu’à la liberté du rêve.

Quatre cantates composées alors que Bach était maître de chapelle à la cour de Weimar, et qui ont en commun le thème de l’espoir. Thème qu’illustre notamment la célèbre cantate “Weinen, klagen, sorgen, zagen”, que Bach reprendra à la fin de sa vie pour le Credo de la Messe en si mineur : “Vous serez tristes, mais votre tristesse se changera en joie”.

Remarquée très jeune par Martha Argerich et lauréate à 9 ans du Concours international Jeune Chopin 2018, Arielle Beck est une pianiste prodige qui à 16 ans, se produit déjà sur des scènes prestigieuses et ose se confronter à des partitions exigeantes avec une autorité et une maturité qui n’ont d’égal que son intelligence stylistique.

Attirés par le climat d’effervescence régnant dans la “ville-lumière” durant toute la première moitié du XXe siècle, les Espagnols Miguel Llobet et Isaac Albéniz, mais aussi le Brésilien Villa-Lobos et l’Argentin Piazzolla ont longuement séjourné à Paris, dévoilant la richesse de leurs cultures respectives, et marquant de leur empreinte la vie musicale de la capitale française.

Une relecture festive des célébrissimes Quatre Saisons de Vivaldi, version flûtes et musette inspirée d’une première adaptation de l’œuvre en 1739. L’Italie de Vivaldi, le Versailles de Louis XV, où la musette était reine, et la voix, singulière et éloquente, d’un soliste d’aujourd’hui s’additionnent et transfigurent ces partitions que l’on croyait connaître.

L’ensemble La Púrpura de la Rosa tire son nom de l’opéra éponyme, créé en Amérique au XVIIe siècle. Octuor masculin, il est composé exclusivement de voix lyriques de ténors, barytons et basses issus de diverses maisons d’opéra, notamment d’Angers Nantes Opéra. Il interprètera, sous la direction de Xavier Ribes, un programme éclectique constitué d’extraits de grands ouvrages d’opéra dédiés aux chœurs d’hommes parmi lesquels Rigoletto, Il Trovatore, La Bohème, La Cenerentola...

Résolument ancré dans la musique d’aujourd’hui, l’ensemble Les Métaboles dirigé par Léo Warynski tire son nom de l’œuvre d’Henri Dutilleux, Métaboles, qui évoque la capacité du chœur à se transformer au gré des répertoires. De la polyphonie de la Renaissance aux créations contemporaines, “Après un rêve” trace un parcours vocal allant de Josquin Desprez à Ondrej Adamek, en passant par Brahms, Fauré, Debussy et Ravel.